Cómo 6 diseñadores indígenas están usando la moda para recuperar su cultura

La línea entre la inspiración y la apropiación en la moda es a menudoborroso. Nadie lo sabe mejor que la comunidad indígena, cuyos estampados sagrados, marroquinería pulida a mano y aplicaciones de pedrería han sido imitadas por las casas de moda durante siglos. Este tipo de apropiación cultural, donde las etiquetas se basan en códigos de diseño profundamente arraigados sin dar crédito a la cultura de la que las toman, es particularmente dañino para los pueblos indígenas, que han sido y continúan siendo marginados. Pero ahora, una nueva generación de diseñadores indígenas en América del Norte está contraatacando, utilizando sus colecciones para destacar el activismo cultural y los movimientos de base que son más importantes ahora que nunca, especialmente dados los eventos recientes, como las protestas de oleoductos en Standing Rock.


Estos diseñadores únicos provienen de una variedad de tribus distintivas, desde Ojibwe hasta Kiowa, y están fusionando la artesanía tradicional de sus culturas con florituras nuevas e inesperadas, como la serigrafía gráfica o la impresión en 3D. ¿El mensaje unificador? Recuperar su herencia en una época en la que los pueblos indígenas siguen siendo invisibles. Las colecciones, que van desde la joyería hasta el prêt-à-porter, encuentran inspiración en elementos tradicionalmente significativos como animales, documentos históricos del gobierno y piezas ornamentales ornamentadas, como los vestidos powwow usados ​​por Crees, Crows y muchos otros grupos, cada uno uno diferente en la naturaleza. 'El mayor error sobre el diseño indígena es que todo es lo mismo', dijo la diseñadora Bethany Yellowtail. “Los cuervos son muy diferentes a los navajos y los cheyennes son muy diferentes a los ojibwes. Es muy importante contar esas historias a través de nuestro diseño '.

Afortunadamente, la moda indígena finalmente está ganando terreno. Esta semana, Toronto seguirá los pasos de Australia y Vancouver, Columbia Británica, al albergar su primer Semana de la Moda Indígena . Esta iniciativa de cuatro días brindará a los diseñadores una plataforma muy necesaria y servirá como un contrapunto prometedor para la apropiación generalizada que todavía se encuentra en las pasarelas de hoy. “Cuando una persona indígena puede ocupar un espacio y presentar un punto de vista honesto e individual de quiénes son, eso es increíblemente poderoso”, dijo el diseñador Evan Ducharme. Contará con desfiles de diseñadores como Ducharme, paneles de discusión sobre la apropiación cultural y un mercado de compras con auténticos productos indígenas. (El año pasado, el 'Moda nativa ahora' La exposición también se llevó a cabo en el Museo Nacional del Indio Americano en la ciudad de Nueva York, que mostró las obras disruptivas de más de 60 diseñadores indígenas).

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A continuación, conozca a seis talentos indígenas en ascenso de toda América del Norte mientras hablan sobre sus últimas colecciones, la necesidad de activismo y el poder de la reconciliación.

Betania de cola amarilla
Etiqueta:B. cola amarilla
Tribu:Cuervo y Cheyenne del Norte
Basado en:Los Angeles, California



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El activismo indígena está ganando más impulso, y Bethany Yellowtail, una de las diseñadoras indígenas más prominentes que trabaja ahora, está impulsando esa energía. La diseñadora de prêt-à-porter de la mujer, que participó en las protestas de la Marcha de las Mujeres y de Standing Rock el año pasado y protagonizó una serie documental de seis partes, tituladaAlternativa—Utiliza su plataforma para destacar la moda de protesta. Las protestas siempre han jugado un papel integral en la historia de los pueblos indígenas: de Sacheen Littlefeather rechazando el Oscar de Marlon Brando , debido al trato injusto de los indígenas en Hollywood, a las recientes protestas de Standing Rock, la comunidad indígena ha demostrado ser su principal agente de cambio.

A partir de esa historia, Yellowtail lanzó una colección cápsula en diciembre que analizaba específicamente el trabajo de activismo de sus antepasados. El resultado fue la versión de Yellowtail de los vestidos y faldas tradicionales con alas, todos inspirados en las notables mujeres Crow y Northern Cheyenne que han servido en la batalla. 'Esta colección tiene una intensidad, pero realmente puedes ver los elementos tradicionales', dijo Yellowtail. “Está inspirado en los defensores de primera línea y las mujeres que lideran nuestra comunidad. [Durante las protestas,] me conecté con mujeres brillantes de todos los ámbitos de la vida: mujeres arrestadas en el frente ”.


Yellowtail también creó piezas específicamente para los participantes del ascenso de las mujeres indígenas: la marcha de las mujeres del año pasado. Debutó con una bufanda de seda de edición limitada llamada Women Warrior, que estaba impresa con una escena de la danza del gorro de guerra de su cultura Cuervo. 'Es importante que la moda se involucre de una manera que no sea solo para una tendencia', dijo Yellowtail. 'Es a largo plazo, porque estas peleas están en curso'.

Yellowtail nació y se crió en Montana entre la reserva india Crow y la reserva india norteña vecina de Cheyenne. A los 18, se mudó a Los Ángeles para estudiar diseño en el Fashion Institute of Design & Merchandising y lanzó su marca en 2015 después de trabajar para marcas privadas y marcas como BCBG Max Azria. 'Me di cuenta de que no hay un espacio que represente auténticamente a los nativos', dijo Yellowtail. “Trabajaba para marcas que presentarían colecciones de inspiración étnica o indígena, pero no me conecté con ellas. Fue un momento de bombilla. Necesitaba crear mi propio espacio '.


Además de su propia línea, Yellowtail también lanzó el colectivo B.Yellowtail , una plataforma minorista en su sitio web que apoya a otros artistas y diseñadores indígenas, desde pueblos originarios de Canadá hasta artistas de las llanuras del norte. Ella espera que ayude a promover un sentido de economía y autonomía para los diseñadores en comunidades de reserva más segregadas. “Hay tantos artistas brillantes en las comunidades indígenas, pero muchas veces no consiguen vender su trabajo por lo que realmente valen”, dijo Yellowtail. 'En el sitio, obtienen la mayor parte del costo minorista y se lo pagan directamente a ellos'.

Keri Ataumbi
Etiqueta:Metales Ataumbi
Tribu:Kiowa
Basado en:Santa Fe, Nuevo México


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Keri Ataumbi está fusionando lo viejo con lo nuevo. A través de su marca de joyería, Ataumbi Metals, la diseñadora combina los materiales orgánicos de su cultura Kiowa con acabados innovadores y de alta tecnología. “Combino elementos tradicionales indígenas, como el trabajo de pluma o pluma, con técnicas de orfebrería tradicionales y contemporáneas, como [diseño asistido por computadora] y la impresión en 3D”, dijo Ataumbi.

Ataumbi se crió en la reserva india de Wind River en Wyoming y luego asistió a la Escuela de Diseño de Rhode Island y al Colegio de Santa Fe. Comenzó a mostrar obras de arte en galerías, pero en 2012, cambió su enfoque a su verdadera pasión, la joyería, y lanzó su marca en 2014. “En ese momento, mi trabajo ya había comenzado a ser coleccionado por museos y coleccionistas privados”, dijo. adicional.


Actualmente crea sus joyas en su estudio de Cerrillos Hills, ubicado en las afueras de Santa Fe. Los aspectos más destacados de la última colección incluyen los pendientes llamativos de Ataumbi con un acabado de pelo de puercoespín o plumas de faisán, materiales tradicionales de la artesanía Kiowa, y oro de 18 quilates. Un anillo de calcografía de búfalo tiene un acabado en oro y diamantes, mientras que un collar de aro de oro y plata imita los aros utilizados por los bailarines de aro powwow. 'Me interesa hacer un trabajo que combine elementos que nosotros, como pueblos indígenas, tenemos valiosos (dientes de alce, búfalos, plumas) con elementos que se consideran valiosos en la cultura popular, como diamantes, oro de alto quilates y piedras preciosas'. dijo Ataumbi.

La diseñadora explicó que consultar a los mayores de su comunidad ha sido clave a la hora de abordar cualquier referencia histórica o espiritual. Esto es algo que Ataumbi dijo que las marcas no indígenas a menudo no logran, lo que conduce a una apropiación insensible de artículos sagrados, como tocados, que nunca deben usarse en un entorno de moda. Ella espera que su propia línea informe a los consumidores sobre el contexto y la consideración del diseño indígena, algo que incluso ella debe considerar. 'Soy muy consciente de los elementos de mi cultura que son inapropiados para compartir a través de mi trabajo, y otros elementos que pueden ser una herramienta para ayudar a crear conexiones y honrar nuestra estética tradicional', dijo.

Curtis Hollande
Etiqueta:Curtis Hollande
Tribu:Nación Líl'wat
Basado en:Toronto Canada


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Para su marca de ropa masculina, el diseñador canadiense Curtis Oland está buscando elementos naturales para desafiar el problema de la industria con el despilfarro, un enfoque ambiental que sigue estando en el corazón de la cultura indígena. 'Mi objetivo es evocar más pensamientos sobre el origen de nuestras cosas', dijo Oland. “Hay tanta energía espiritual que está imbuida dentro de una prenda. Hay energía del venado que dio su piel, de los gusanos que crearon la seda, de la oveja que dio su lana y de todas las manos humanas por las que estos materiales pasan para llegar a mí '.

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Teniendo en cuenta la conexión de la comunidad indígena con la tierra, o la Isla Tortuga, como la llaman, el enfoque del diseñador en la naturaleza tiene sus raíces en su educación. Oland creció en el valle de Okanagan de la Columbia Británica, donde no vivía en una reserva, sino que estaba rodeado de prácticas indígenas. “Lo que más me inspira son las enseñanzas en las que crecí: el respeto y el aprecio que debemos tener por la vida y por los demás, y por los dones que recibimos de la tierra”, dijo Oland. 'Me esfuerzo por ser sostenible y ético con la producción de mis prendas y me posiciono dentro de la industria para fomentar el cambio'. Oland finalmente se mudó a Toronto para estudiar diseño en la Universidad de Ryerson. En 2014, debutó con su primera colección masculina durante la competencia del Premio al Diseñador de Moda Masculina Emergente de la Semana de la Moda Masculina de Toronto, que ganó.

Su colección más reciente, titulada Arquitectura visceral, se inspiró en los elementos crudos y 'grotescamente hermosos' de la biología humana. “Estaba pensando en la estructura milagrosa que es el cuerpo”, dijo. “Tratamos de hacer la vista gorda ante la incómoda idea de carne y hueso. Quería retratar estas imágenes grotescas de una forma elegante '. Las piezas de la colección incluyeron un enfoque en materiales en bruto, sin terminar, incluidos pantalones y gabardinas de cuero, o cinturones de lana gruesos con forma de intestino. Incluso las piezas más simples de Oland contenían detalles deliberadamente poco ortodoxos, como un top de manga corta que se empalma en un lado y luego se ata.

Aunque actualmente ha puesto su propia etiqueta en pausa para consultar con una marca en Londres, planea regresar pronto a su etiqueta para continuar con su enfoque ecológico. También participará en una exposición durante la Semana de la Moda Indígena de Toronto.

Jamie leyendo
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Tribu:Shoshone-Bannock y Luiseño
Basado en:Valle de Pauma, California


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La artista multiplataforma Jamie Okuma puede diseñar prêt-à-porter y accesorios, pero su trabajo también se considera arte al más alto nivel. La artista Shoshone-Bannock y Luiseño, que vive en la reserva india de La Jolla, comenzó a experimentar con el arte y el diseño de moda cuando solo tenía 18 años y lanzó su marca de moda en 2015. “Soy completamente autodidacta”, dijo. Okuma. 'Toda mi carrera ha sido un trabajo de prueba y error'.

Sus piezas de moda, que también funcionan como obras de arte, han llamado la atención de los curadores de museos de todo el mundo, apareciendo en instituciones como el Museo Metropolitano de Arte y el Museo de Arte Nelson-Atkins, donde sus zapatos de abalorios, nobleAdaptación, están actualmente a la vista. Su prêt-à-porter también es actualmente en exhibición en la Colección de Moda de Texas en la Universidad del Norte de Texas, y recientemente ganó el premio Best of Show de Heard Museum Guild Indian Fair and Market por su escultura blandaProteger, Honrar, Apreciar, con una madre Shoshone y su hijo en una cuna.

Okuma es mejor conocida por sus versiones 'indigenizadas' de las marcas de lujo. Su trabajo más reconocido son sus zapatos Christian Louboutin con cuentas a mano, que han sido cubiertos con intrincados patrones de golondrinas o adornados con púas de puercoespín y plumas de pollo. Las piezas tardan hasta seis meses en crear y transmitir una descarada inversión de roles en lo que respecta a la apropiación: diseñadores indígenas que se inspiran en marcas de moda masivas, en lugar de al revés. (Consejo de un experto: actualmente también está trabajando en la personalización de un par de Giuseppe Zanottis).

El año pasado, Okuma también presentó una nueva colección de prêt-à-porter durante la exposición 'Native Fashion Now' en Nueva York. La cápsula incluyó interpretaciones ampliadas de los vestidos tradicionales con cintas y los vestidos de jingle vistos en los powwows. Para Okuma, sin embargo, crear diseño indígena nunca ha sido un deseo absoluto; en cambio, encontró poder en el uso de la moda para recuperar su herencia. “Cuando era más joven, quería convertirme en una corriente principal, es decir, ser solo un diseñador, no un diseñador nativo”, dijo Okuma. “Ahora, me doy cuenta de que eso no es algo malo. En un mundo donde se supone que no debemos etiquetar, siento que debo aceptarlo. Nadie puede hacer el diseño indígena mejor que nosotros ”.

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Okuma está trabajando actualmente en sus colecciones de otoño de alta costura y prêt-à-porter. Y aunque sus piezas han viajado por todo el mundo, Okuma dijo que vivir en su reserva continúa fomentando sus mejores momentos de creatividad. “Estar conectado nunca ha sido una lucha [para mí]”, dijo Okuma. “He vivido en la reserva desde que tenía 4 años, y también trabajo aquí para criar a mi familia. La cultura me rodea en todo momento '.

Evan Ducharme
Etiqueta:Evan Ducharme
Tribu:Metis
Basado en:Vancouver, Columbia Británica


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Para el diseñador de prêt-à-porter femenino Evan Ducharme, explorar su herencia métis proporciona una fuente constante para satisfacer su curiosidad. El diseñador, que lanzó su marca en 2012, nació en Winnipeg, Manitoba, y creció en la comunidad junto al lago de St. Ambroise. 'Ha sido territorio de los métis durante más de 100 años', dijo Ducharme. 'Crecer allí realmente arraigó ese sentido de orgullo por ser indígena, y ha sido un recurso invaluable al que recurrir para mi trabajo'.

Ducharme aprendió a coser de su familia de modistas. En 2010, se mudó a Vancouver para estudiar en Visual College of Art and Design. Avance rápido hasta agosto pasado, y Ducharme debutó con su última colección, titulada Atavism, durante la Semana de la Moda Indígena inaugural de Vancouver, una iniciativa que permite representaciones auténticas de la cultura indígena moderna. “Algo como la moda, que es increíblemente visual, es el medio perfecto”, dijo Ducharme.

El diseñador, que también se exhibirá en la Semana de la Moda Indígena de Toronto, planea revelar una nueva colección que servirá como una extensión de Atavism, que abarca prácticas consagradas de su herencia métis de nuevas maneras, como se ve en sus camisetas bordadas. y vestidos. “Una de las principales piezas de artesanía es el tejido de la faja Métis, que originalmente se hacía a mano y luego se hacía con un telar”, dijo Ducharme. 'Creamos una técnica de bordado en la que tomamos un hilo y patrones similares, pero luego los aplicamos en una malla deportiva'.

La colección también incluye impresiones gráficas de un documento del censo histórico que Ducharme encontró mientras investigaba su linaje familiar. “Mi bisabuelo fue incluido con un origen racial francés, luego fue tachado y reemplazado con origen tribal indio”, dijo Ducharme. 'Quien estaba recopilando el censo no sabía cómo incluirlo'. Digitalizó la impresión y la aplicó en chaquetas bomber, faldas lápiz y bolsos de mano.

Louise Solomon
Etiqueta:Mano de Salomón
Tribu:Ojibwe
Basado en:Toronto Canada


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Si bien gran parte de la población indígena sigue viviendo en reservas, la diseñadora de joyas de Ojibwe Louise Solomon está redefiniendo lo que significa ser un 'nativo urbano'. Solomon, que es de Chippewas de Nawash Unceded First Nation, nació y se crió en el centro de Toronto. Su marca de joyería fina, Hand of Solomon, se lanzó en 2013 y refleja la educación de la diseñadora en la ciudad. Fusiona elementos de su cultura —trabajo de corteza de abedul, mechones de pelo de alce, arte de escamas de pescado— con motivos modernos, como metales preciosos y gemas. 'Un aspecto biomecánico es mi favorito, una pieza que se basa en la naturaleza, pero tiene un aspecto futurista', dijo Solomon. “Mi objetivo es tender un puente entre ambos espacios y mostrar lo que significa para mí ser indígena en este tiempo y espacio”.

Solomon estudió diseño de joyas en el George Brown College de Toronto. Aunque creció en la ciudad, dijo que nunca se ha sentido desconectada de su herencia. “Puede que haya sido el único estudiante indígena en mi escuela, pero nunca fue un problema”, dijo Solomon. 'Ver las hermosas culturas y tradiciones de mis amigos me envió a la búsqueda de aprender más sobre la mía y acercarme a los ancianos y a los poseedores del conocimiento, quienes me han dado una mejor comprensión de quién soy'.

Las piezas destacadas de la última colección de Solomon incluyen alianzas de boda trenzadas inspiradas en sweetgrass, disponibles en una variedad de acabados, desde plata esterlina hasta oro de 18 quilates. Su colgante de rueda de la medicina, hecho de cuatro colores de cristales de Swarovski, representa las enseñanzas de las cuatro direcciones de su cultura, o el llamado a vivir una vida completa y equilibrada. Su última colección también se inspiró en los lobos e incluye piezas de fundición de garras de lobo hechas en cadenas, colgantes, gemelos, anillos y aretes. “Los pueblos indígenas y el lobo tienen historias muy similares y comparten muchos puntos en común”, dijo Solomon. 'Para mí, el lobo representa la familia, el orgullo y la resistencia, cualidades que son muy importantes para nosotros inculcar en nuestra juventud para un mañana más fuerte'.

Al mostrar una visión más urbana de su cultura, Solomon espera que su enfoque no tradicional arroje luz sobre los diversos orígenes y enseñanzas de los pueblos indígenas. En otras palabras: no más estereotipos genéricos. “Cuanto más hablemos de apropiación cultural y lo saquemos a la luz”, dijo, “más nos acercaremos a la reconciliación”.